Aviso

Hola de nuevo. Ha pasado mucho tiempo, lo sé. Siglos.

Sólo pasaba para decir algo obvio: el blog está inactivo, y por lo menos a corto plazo no va a haber más actualizaciones. No es que me haya dejado de gusta el cine asiático: todo lo contrario, lo sigo viendo y disfrutando (sin ir más lejos la semana pasada me vi las dos nuevas películas de Kim Ki-duk, estuve en el cine viendo Black Coal y un largo etcétera). Es sólo que la vida cambia y de repente te ves con muchas cosas que hacer, y las prioridades cambian, y el manejar varios blogs a la vez también es complicado. Me parecía justo pasarme para al menos comentar lo evidente, y también para decir que la información del blog va a seguir estando disponible para los que quieran consultarla, no la voy a borrar ni nada por el estilo.

Dicho esto, quien sabe si mañana cambie de idea y vuelva a escribir más cosas. Pero de momento aquí lo dejo, en pausa indefinida.

Muchas gracias a todos los que han estado siguiendo, leyendo y comentando en el blog, ha sido un placer. Os deseo a todos los mejor.

Japón: Kowai Onna (2006)

Unholy Woman (Kowai Onna, コワイ女) que significa literalmente "mujeres impías" es precisamente el tema del que trata esta cinta: la historia de diferentes mujeres malditas. La película presenta tres mediometrajes dirigidos por distintos directores japoneses.

En el primero de ellos, Rattle Rattle (カタカタ), la joven Kakane se despide de su novio para regresar a casa, pero cuando camina en mitad de la noche atravesando un complejo de edificios, escucha desde lo alto de uno de ellos un extraño sonido que le hace alzar la cabeza para investigar. Justo en ese momento recibe un golpe y cae al suelo. Cuando se despierta llama a una amiga, y, una vez en casa se prepara un baño. Entonces escucha una extraña voz que le dice que "el baño ya está preparado". Para su sorpresa, una terrorífica mujer vestida de rojo le sale a su encuentro. Kakane consigue golpearla y dejarla inconsciente. Después, su novio la llama para decirle que su ex-mujer ha intentado atacarle con un cuchillo, por lo que la primera opción barajada por la protagonista es que esa mujer se trate de la ex-compañera de su novio. El resto de la historia se la pasará huyendo de ella, hasta que sea capaz de entender su historia (que va a reproducir, precisamente en el mismo lugar donde ella fue atacada).

La segunda historia, Hagane, es la más bizarra y macabra de todas, pero se escapa de cualquier lógica y es, cuanto menos, una de las historias más originales que he visto: Seguchi es un joven tímido que trabaja en un taller de coches. Un día su jefe le sugiere que conozca a su hermana, pues tal vez se caigan bien y comiencen a salir. Pero cuando Seguchi va a su casa, encuentra a una joven cubierta por un saco desde la cabeza hasta la cintura, de tal forma que solo se le ven las piernas. Seguchi y la chica salen juntos, pero ella no habla, se pasea con el saco y además va tambaleándose y cayéndose por todos lados (evidentemente xD). Al día siguiente Seguchi intenta rehuír a su jefe, pero este insiste en que salga con su hermana, y poco a poco, ambos van desarrollando una extraña relación (y de qué forma xD). Con el paso de la historia entendemos la realidad el asunto: la joven es en realidad medio humana y medio animal. Su parte humana se ha enamorado del joven, pero su parte animal desea cosas más perversas. El desenlace es bastante gore y surrealista, pero merece la pena verlo.

En la tercera historia, titulada The Inheritance, Saeko regresa a su casa familiar para vivir con su madre y su hijo pequeño, pero la convivencia se hace un poco distante, ya que su madre le culpa del divorcio. Un día, el hijo de Saeko ve a otro niño en el jardín, a través de la ventana, que resulta ser el hermano de su madre, muerto en la infancia. Cuando se lo dice a su madre, ésta no le presta atención. Pero un día, Saeko encuentra un viejo cofre de madera en el cobertizo trasero de la casa, y a partir de entonces comienza a actuar de forma extraña. Ya no regresa a casa algunas noches, y su hijo la descubre en el cobertizo, hablando sola ante un espejo y con una extraña sonrísa. Otro día lo echa de la habitación y le dice que duerma solo, y en otra ocasión llega borracha a la casa. La madre de Saeko parece saber algo, pero se lo calla, y la situación se va tornando poco a poco insostenible. Por las mañanas, la madre del niño actúa de forma dulce con él, como si nada hubiera pasado la noche anterior, pero para él está claro que su madre está poseída por un espíritu. La obsesión de su abuela es ahora que abandonen la casa antes de que sea demasiado tarde para él.

El primer mediometraje, Rattle Rattle, está dirigido por Keita Amemiya, quien frecuentemente dirige historias fantásticas basadas en mangas, y realiza videojuegos. Pienso que el objetivo de esta historia era claramente crear terror, y lo consigue con creces. En un momento de la historia (la mujer maldita corriendo detrás de la protagonista) puede parecernos incluso un poco ridículo, pero nunca lo será en el estilo de slash movies como Scream, ya que la cara del espíritu es tan absolutamente aterradora que te quedas sentado en la silla, casi sin respirar. A veces la historia se vuelve liosa y no tienes muy claro lo que está pasando, pero creo que la solución (aparte de típica) es satisfactoria.
El segundo mediometraje, Hagane, está dirigido por Takuyi Suzuki, siendo ésta para mi gusto la mejor de las tres historias. La idea de que exista una mujer que va por la vida metida en un saco y que es en realidad medio animal-medio humana ya te hace querer verlo. La aparente tranquilidad del hermano de la protagonista, que encuentra perfectamente normal a su hermana y quiere que así la vea su subordinado (escalofriante la escena donde Seguchi entra a la casa y la ve al fondo, sentada en la silla de coser y cubierta con el saco). Con algunos momentos cómicos en la relación entre los dos protagonistas, unas cuantas escenas que inspiran pena y un final de lo más sangriento, Hagane contiene una buena dosis de componentes atractivos aunados en una sola pieza. Original e imperdible.
La historia que concluye esta película, The Inheritance (la herencia) podría considerarse la más floja de las tres, si bien mantiene el suspense hasta el final, pero puede parecer la más típica dentro del abanico del terror japonés. La madre que es poseída por un espíritu y trata mal a su hijo, la anciana que sabe de qué va el asunto, y todo eso. Aun así, es disfrutable y tiene sus momentos de intriga.

Es realmente complicado encontrar películas que nos produzcan auténtico terror, pero creo que Kawai Onna lo consigue en algunos momentos. Por ello, se la recomiendo a los amantes del género, sobretodo las dos primeras historias.

* Idea principal: mujeres malditas. Posesiones, sentimientos inevitables.

Corea del Sur: Air Doll (2009)

Air Doll (空気人形 , Kuuki Ningyuou) es un drama fantástico surcoreano dirigido por Hirokazu Koreeda ,quien ya dirigiera la maravillosa Daremo Shinaranai (nadie sabe) y basado en el manga de Yoshiie Goda.
La historia comienza con un hombre solitario que alivia sus penas al llegar a casa con Nozomi (la coreana Bae Doona), una muñeca hinchable a tamaño natural, con la que cena, duerme e intima como si fuera una auténtica mujer. Lo que él no sabe es que cuando se va a trabajar por las mañanas, la muñeca cobra vida propia y se va a pasear por la ciudad, donde se fascina con cada detalle que ve: desde unos niños cantando en una excursión escolar o un anciano sentado en un banco. En una de esas escapadas diurnas llega hasta un videoclub, y allí se admira de la infinidad de películas que hay. De alguna forma consigue un trabajo y comienza a compartir las horas con Junichi (Arata), su compañero laboral, un muchacho tímido y bondadoso con el que empieza a salir y a descubrir el mundo poco a poco (va hasta el mar), como si fuese una niña pequeña maravillada con la vida. Lejos de sorprenderse por las excentricidades que hace Nozomi o por sus curiosas preguntas ("¿Qué es un cumpleaños?"), el joven la trata con mucho cariño y cordialidad. Nozomi se vuelve cada vez más humana y económicamente independiente, hasta que tiene un accidente en el videoclub mientras está colocando unas luces de adorno y se pincha. Junichi la encuentra en el suelo, desinflándose, y busca la boquilla de entrada del aire, que está en el ombligo. En una escena más que erótica (y sin duda de las más curiosas que yo personalmente he visto), el joven le salva la vida a Nozomi, quien ya ha desarrollado sentimientos por él (me puedo imaginar que eso de que te inflen por el ombligo une mucho xD).
Total que, Nozomi decide que quiere irse de casa, porque aunque su dueño no la trata mal, no cuenta con su opinión para nada y sólamente la utiliza, él es feliz así. Como se ha ausentado de casa, al llegar se da cuenta de que, ni corto ni perezoso, su dueño ya la ha sustituído por una muñeca de última generación, a la que ha llamado igual que a ella y le enseña las mismas cosas (un mapa estelar que tiene en el techo, etc). Esta vez Nozomi no se esconde, sino que se queda de pie en la habitación, donde la encuentra el sorprendido hombre. Pero lejos de amilanarse, se repone pronto de la sorpresa. Nozomi se da cuenta de que su nombre es a causa de una antigua ex-novia de su dueño, y le dice que se siente utilizada, pero que ahora "ha conseguido un corazón". El hombre se sincera de manera miserable y le dice a Nozomi que la prefiere sin corazón, porque la gente con sentimientos sólo trae "problemas", y que él quiere vivir sin complicaciones. Nozomi se va de casa y su dueño va tras ella, pero ella no regresa.
Nozomi no tiene muy claro lo que es envejecer hasta que alguien se lo explica. Ilusionada, decide que ella también va a envejecer (su objetivo es convertirse en humana). Además, se decide a ir en busca de su creador, y así da con la fábrica donde crean a las muñecas como ella. Habla con su "padre" (Joe Odagiri). Éste le dice que en todo el país está sucediendo que muchas muñecas están "adquiriendo un corazón" y la gente las devuelve o las tira cuando eso sucede. A pesar de la dureza del descubrimiento, Nozomi le da las gracias por haberla creado y se marcha.
En un encuentro que tiene con Junichi en su casa, Nozomi descubre las fotos de su antigua ex-novia. Una serie de explicaciones bastante difusas del joven le hacen pensar a la chica que él también es como ella, así que, cuando Junichi le hace partícipe de un deseo que tiene (volver a desinflarla para luego inflarla), ella se deja hacer, para luego, aprovechando que él está durmiendo, hacerle un corte a la altura del abdomen e intentar inflarlo. Desgraciadamente se da cuenta tarde de su error, y el joven muere.
Nozomi pierde todo interés en el mundo, y no puede perdonarse el haber matado a la única persona por la que sintió sentimientos. Sola y abandonada se deja caer al lado de la basura, donde una niña pasa y le coloca su muñeca encima.

Este sería el resumen rápido de la que como digo es una película fantástico-dramática, cargada de simbolismos la mires por donde la mires. En primer lugar tenemos la fascinación por la vida y el envejecimiento que tiene la protagonista (algo que la gente va perdiendo paulatinamente). Nozomi se asombra por todo, ella ha conseguido un corazón y ahora quiere disfrutar de autonomía propia. También es muy evidente el matiz machista de la película, donde claramente el dueño "utiliza" a su sumisa acompañante "como si fuera una muñeca". No la trata mal, pero únicamente se oye a sí mismo, utiliza a la joven y pasa por alto sus deseos. Le gusta su silencio, y como él mismo le dice "los sentimientos traen problemas y es mejor así". Igual de duro es el momento de la visita a la fábrica, y el descubrir que la gente prefiere deshacerse de las muñecas a conservarlas con corazón, porque lo único que quieren es utilizar su parte física.
Luego tenemos al jefe del videoclub, que malinterpreta la ingenuidad de Nozomi pensando que es una cualquiera y se aprovecha de ella en los servicios del establecimiento. Por desgracia la protagonista es usada en muchas ocasiones durante la película, y cada vez que esto ocurre ella se comporta como "una muñeca sin sentimientos". Sólo cuando realiza sus paseos solitarios por la ciudad o cuando está en la compañía de Junichi es feliz.
También son remarcables las alusiones a El Gran Dictador de Chaplin (la escena en la que Nozomi flota y llega a tener al planeta Tierra entre sus manos), o detalles que recuerdan a la mismísima serie Evangelion (cuando la protagonista va a la casa donde la crearon y se encuentra con una serie de réplicas idénticas a ella).
Y como si la búsqueda de los sueños tuviera que tener un final trágico, la ingenuidad de la protagonista termina con su ilusión; acaba matando por accidente a la persona a la que ama. Es entonces cuando diríase que Nozomi se vuelve más humana, cuando pierde toda ilusión por sobrevivir, todo se tiñe del mismo color y las cosas dejan de resultar maravillosas. Se tumba sobre la acera y se deja morir.
No es de extrañar que la película haya sido elegida la mejor del año 2009, y con razón, porque sin duda concentra en ella misma una filosofía de vida y una reflexión sobre el amor y los sentimientos como se ha visto en pocas. Al mismo tiempo con sus matices cómicos y melancólicos (hermosa la escena de la poesía que le lee el anciano del parque a la protagonista, y que a continuación reproduzco aquí):

La vida es

Parece que la vida está organizada de una forma
en la que nadie es feliz sin compañía.
Así como a las flores no les basta con tener pistilos y estambres;
un insecto o el viento deben ayudarlas a polinizar.
La vida es soledad que sólo con otro se puede satisfacer
parece como si el mundo fuese la suma de unos con otros.
Y además, ni sabemos ni nos dicen
que debemos juntarnos los unos con los otros.
Conducimos nuestras separadas vidas
perfectamente ignorantes uno del otro.
O a veces, podemos encontrarnos
con la insoportable presencia de otros
¿Por qué este mundo está construido de forma tan improvisada?
Un tábano rodeado de luz vuela
hasta posarse sobre una hermosa flor.
Yo también podría haber sido un tábano para alguien,
y quizás tu también alguna vez hayas sido mi viento.

Para mi ha sido toda una sorpresa comprobar que las críticas sobre esta maravillosa película fueron bastante difusas. En su debut en Cannes se alabó la actuación de la protagonista, pero se criticó a la película por su excesivo metraje (pero si no llega a dos horas...esta gente no ha visto cine indio). Desde Screen International comentaron que la película tenía una narrativa "demasiado vaga" y que el enfoque del director era "demasiado difuso", aunque el resultado final era "isfrutable". Variety opinó que la película podía haberse quedado en 90 minutos (disculpen ustedes los 17 restantes). The Hollywood Reporter describió la película como una "maravillosa reflexión sobre la soledad y el paseo urbano" y sugirió que su temática atraería principalmente a las mujeres.

Pues aun a riesgo de a) ser reiterativa y b) ser tachada de feminista (estoy segura que no es la primera vez que uso esa frase), he de decir que todas estas críticas me resbalan porque han obviado el mensaje principal de la película: la anulación de los sentimientos humanos en detrimento del físico. La sumisión y el silencio. Y la maravilla de estar vivo, por supuesto.

* Idea principal: el despertar a la vida, la maravilla de vivir. La suminisión femenina, los sentimientos reprimidos.

web oficial (en japonés)

Lo nuevo 2011: Arirang

Como todos sabéis, este no es un blog de noticias de actualidad, sino de críticas y resúmenes de cine asiático. Pero esta es la excepción. Comentaba yo el otro día que Kim Ki-duk está "desaparecido" desde que estrenase Dream en 2008. Desde entonces ha habido un largo silencio alrededor de su persona y de sus proyectos, hasta el punto en que sus fans nos hemos llegado a desesperar. Y no es para menos, porque el director coreano nos tenía acostumbrados a una película por año, desde que comenzara con su profesión, allá por 1996. Y ahora me entero de que este año estrena por fin una película, que no es, ni más ni menos, que una especie de biografía-resumen de sus últimos años, que pretende ser un retrato a caballo entre su vida diaria y la explicación de por qué no hace cine, o qué es lo que pasa por su cabeza.
Arirang es una canción muy antigua que pasa por ser casi el himno de Corea (nada más ver el trailer, nos enteramos de el por qué de tal título). En primer lugar hay que ir directo al grano (a las críticas negativas). Quienes han presenciado la película en Cannes difícilmente han podido resistir visionar la cinta al completo, porque incluía escenas tales como Kim Ki-duk cantando, Kim Ki-duk comiendo, Kim-ki Duk paseando, etc, etc, algo que casi parecia irrisorio. Vamos, que muy fan tienes que ser para querer observar hasta el mínimo detalle de una persona, en plan Gran Hermano. Pero los que se quedaron no se arrepintieron, porque como era de esperar, había mucha más profundidad que todo eso en la historia, que se iba desgranando poco a poco, de manera que la cosa comenzaba como un retrato trivial y terminaba siendo una reflexión profunda en toda regla, de un hombre hundido y deprimido, que ha terminado viviendo solo en una cabaña, como un hermitaño, debido a los problemas que tuvo con la protagonista de su penúltima película (me entero ahora de boca de una amiga que la actriz estuvo a punto de morir), y, por supuesto, el problema de siempre: en Corea del Sur es un don nadie, no tiene financiación y por lo tanto no puede sacar sus proyectos a flote.
Y es que Kim Ki-duk es un visionario, un hombre que hace cine muy personal, que - aun a riesgo de sonar a típica gafapastas - no puede entender todo el mundo, y no por ello deja de ser maravilloso para aquellos que sí podemos comprenderle. Como digo, es un hombre personal, genial, que nos hace partícipes en cada una de sus películas del peso tan extremadamente marcado que ha tenido su vida (en sus historias siempre encontramos una tremenda culpa y un final con un marcado rasgo expiatorio), cosa que él no ha desmentido en sus entrevistas. Con una personalidad muy definida y demasiado autónoma, Kim Ki-duk nunca ha tenido miedo de mostrarle al mundo sus proyectos (recordemos la criticada Bad Guy en Corea por el tema de la prostitución juvenil o La Isla, donde hubo gente que se desmayó con la escena de los ganchos de pesca). Nunca ha tenido miedo de poner toda la carne en el asador, y siempre se ha enfrentado a las críticas y ha dado la cara, tanto cuando era aclamado y aplaudido como cuando fallaba estrepitosamente. Igual que siempre lo ha hecho ahora, quedándose hasta el final de la película para comprobar las reacciones del público que no quiso marcharse y le dio una oportunidad. Y, emocionado, lloró al comprobar que sigue teniendo el apoyo de los que aman su cine.
También yo me uno al grupo de personas que seguimos el cine de este director, productor, guionista y actor ocasional sin estudios, que un día, en Francia, vio una película - la primera que veía en pantalla grande en su vida - y decidió que le gustaba, y que quería plasmar lo que sentía haciendo la suya propia. Ya lo había logrado con su pintura y su fotografía, y esta vez tocaba el cine. Y lo logró, y tuvo éxito. Pero no fue moderado, así que también se enfrentó a las críticas.
Sus fans somos acérrimos (aunque seamos pocos), pero también objetivos. Igual que ha hecho buenas películas, las ha hecho malas; nadie es perfecto, y él, como todos, se ha ido forjando poco a poco a sí mismo. Pero nadie puede negar que su cine no deja indiferente. En lo arrojado de su estilo, en lo visceral, en lo más profundo y violento, está precisamente lo más hermoso. Nadie hay que mezcle de forma tan intensa e impactante las pasiones humanas con la hermosura de lo visual, de lo invisible, de lo silencioso.

Grande Kim Ki-duk, esperamos que sigas haciendo cine, que es lo que te motiva. Nosotros tus fans siempre te apoyaremos.

Japón: Haze (2005)

Haze (confusión) es una cinta de horror japonesa dirigida y protagonizada por el polifacético Shinya Tsukamoto (quien no sólo es director, sino también guionista, actor y editor). La película dura apenas 50 minutos, y comienza de una manera tan contextual y confusa como termina: un hombre dolorido y amnésico se despierta metido dentro de una exigua habitación, tan pequeña que es incapaz de incorporarse. Está en ropa interior y no sabe cómo ha llegado hasta allí, ni por qué. Los primeros minutos son pura agonía, una lucha por respirar y no perder la cordura. Por más que lo intenta, el protagonista es incapaz de acordarse de nada.
La cosa se pone más interesante cuando intenta avanzar (que es cuando se da cuenta de que tiene una herida mortal en el estómago que le va desangrando poco a poco). Mientras se "desplaza" por la habitación va siendo presa de todo tipo de trampas (alambres en el suelo que no le dejan avanzar por según que zonas, un mazo que sale de una ventana y que le obliga a que siga deslizándose, etc). Conforme va trasladándose hacia arriba (si es que podemos decir que vaya hacia alguna parte dentro de esa oscuridad), va teniendo recuerdos sobre una mujer. Termina llegando hasta una especie de alcantarilla-piscina con agua roja (mala señal) donde encuentra los restos de una persona. La paranoia llega a su máxima catársis cuando sale del agujero donde se halla para terminar apareciendo en lo que parece una especie de sala de oficinas, donde hay una mujer tumbada en el suelo, cubierta de sangre y con pinta de quedarle aún menos telediarios que a él.
El final es bastante confuso y desde luego poco entendible: mientras que el protagonista parece querer tirar la toalla, la mujer insiste en sobrevivir, e intenta convencer al hombre para que utilicen un teléfono movil que está en el suelo. Esto es todo.

¿Si me gusta Haze? Sí y no. Me gusta, porque como decía aquel director cuyo nombre no recuerdo (shame on me) lo importante es el trayecto, no la resolución. Como trayecto, la experimental Haze entretiene, más que por su puesta en escena, por aquello de que no sabes cómo terminarán las cosas, y por la esperanza que mantienes de acabar enterándote de algo (que no).
Sin música alguna (tan sólo el sonido de las trampas metálicas), hay quienes la comparan con una penosa imitación de la gran Cube (1997). Comprensible, porque ambas comparten espacios pequeños y amnesia, pero poco más. Diríase que Cube es menos sangrienta (aunque no menos cruel). El final no creo que lo entienda nadie (tal vez el director sí), y puede tener muchas lecturas. Yo personalmente me quedo con esa de que la película representa una discusión violenta de pareja donde han terminado malheridos, y toda la historia no es más que una metáfora de los miedos, dudas y culpabilidades. Desde luego que como historia es entretenida (aunque un poco pesada en algunas escenas, lo que ya es mucho decir teniendo en cuenta su duración), y más que meritoria por parte de su realizador, quien seguramente contaba con poco presupuesto para esta película.

Por cierto que existen dos versiones de Haze; la original dura 25 minutos, y la llamada "versión larga", que dura 49.

* Idea principal: todos los fantasmas internos salen hacia afuera: miedo, culpabilidad, violencia. No querer admitir las cosas y la única vía de escape es olvidarlas.